Sophie Briand, créatrice designer vit et travaille à Rennes.
Diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Art et des Métiers d’Arts (ENSAAMA – Olivier de Serres, Paris), spécialisée en design matériaux, surfaces, textile.

Semprecosi : pourquoi avoir choisi le domaine de l’ornementation ?

Ce choix est le fruit d’un cheminement : j’ai souhaité me réapproprier des techniques anciennes (glacis, dorure) pour proposer quelque chose de nouveau, de personnel.

Semprecosi : quelles sont vos sources d’inspirations ?

Dès le départ, Klimt a été une source d’inspiration très riche. L’utilisation de la dorure peut aussi rappeler des ouvrages du XIXème, mais il ne sont pas voulus. Je ne suis pas dans cette recherche de filiation historique. J’apprécie énormément le travail de Beatriz Milhazes, ainsi que Georgia Russell, Reza Abedini, Paul Cox, Henri Matisse, Jawlenski et tout le travail sur les nymphéas de Monet.

Semprecosi : comment définissez vous votre activité ?

Je fais de la création design. Je décline mon activité autour de deux axes :
1/ La création et la réalisation de pièces uniques pour l’aménagement d’intérieur essentiellement
2/ le design textile & surface : je propose des imprimés et d’autres créations contemporaines destinés à une large gamme de produits tels que tapis, compositions murales, revêtement de sol… Je suis ouverte à tous types de projets : de l’ornementation d’une assiette à la façade d’un immeuble !

Semprecosi : comment et dans quel contexte sont réalisées vos créations ?

Je travaille essentiellement sur commande, pour des projets adressés aux professionnels et aux particuliers. Ce sont des créations uniques sur mesure et personnalisées, pour l’aménagement intérieur.

Certaines techniques sont empruntées à l’artisanat d’art, mais je ne suis pas doreuse : la démarche est de l’ordre du designer et de l’artiste. J’expérimente sur des échantillons, des pistes possibles, quelques harmonies colorées. Les associations de matières font partie de mes recherches, j’aime donner naissance à des associations improbables.
Mes créations peuvent être déclinées pour des applications diverses : elles peuvent prendre la forme d’un panneau tableau, d’une cloison mobile, d’un habillage mural, d’une tête de lit… Je réalise mes décors sur des panneaux de bois MDF : ce support permet un aspect très net. Il me permet aussi d’adapter la création suivant sa nature. Je travaille essentiellement en atelier, à plat.

Le deuxième aspect de mon travail, c’est ce concept Volute. J’ai d’abord créé des tableaux objets, puis un échantillon pour élément de séparation. En fait, ces créations pourraient devenir luminaires, s’intégrer dans du mobilier… les possibilités de déclinaisons sont multiples.

Semprecosi : dans quelle matière sont réalisées les volutes ?

C’est du caoutchouc mousse que je façonne, je sculpte. Les formes se juxtaposent, elles s’imbriquent les unes dans les autres pour composer des réseaux infiniment modulables. L’intérêt pour moi se conjugue aussi dans cette référence à la dentelle. La fragilité de l’effet rappelle aussi celui émanant de la porcelaine. J’aime l’idée de métissage entre art, artisanat d’art et design : je crois que mon travail présente un lien entre tradition et modernité. Dans ce travail Volute, l’esthétique et la mise en œuvre rappellent les ouvrages de broderie d’un ancien temps. Le blanc me plaît beaucoup, il fait référence à cette matière textile dentelle broderie et contraste avec le support coloré.

Comment avez vous songé au plexiglas ?
C’est parti d’une contrainte réelle : il faut les protéger de la poussière, d’ou les caissons de plexiglas. En me rendant chez le fournisseur, je me suis intéressée au plexiglas coloré semi-transparent, satiné. Des pistes de travail se sont développées autour de cette rencontre avec la matière. En fixant les compositions Volute sur un fond en plexiglas semi-transparent, on permet une double lecture de la création : une lecture de la matière en volume (recto) et une lecture en silhouette (verso). Côté verso, la lumière a toute son importance car elle apporte des jeux d’ombres très intéressants, liés à l’épaisseur de la matière.

Semprecosi : utilisez-vous l’ordinateur pour travailler ?

Oui. 
Pour les créations personnalisées, l’ordinateur me permet de créer des simulations de ce que pourrait être le projet dans son environnement : il permet de se projeter. L’outil me sert aussi pour la recherche de compositions. La manipulation me donne des idées, l’ordinateur permet de créer des rencontres inattendues.
Pour le design textile & surface, l’ordinateur m’aide à la conception de motifs, de compositions.
Dans votre travail, quel est votre rapport à la lumière ?
Le travail avec la lumière fait le lien entre mes créations. L’utilisation de feuilles métalliques (cuivre, argent, aluminium) révèle les motifs grâce aux renvois lumineux. Grâce à la lumière, les créations sont toujours changeantes suivant l’exposition, l’intensité. C’est aussi un jeu avec les mouvements. La lumière rend les créations vivantes.
Dans le travail Volute, la lumière permet une double lecture : la lumière crée une autre image, elle renvoie des ombres.

Semprecosi :
 ces créations sont-elles amenées à se rencontrer ?

Oui, j’y songe. On pourrait imaginer des panneaux muraux proches du bas-relief en y intégrant quelques volutes, c’est une piste intéressante…

Rédactrice : Cloé DESMONS
Photographe : Emilie GUHUR

ATELIER POLYHEDRE est un atelier de céramique, créé en 2004 par Baptiste Ymonet, lauréat des Ateliers d’Art de France en 2007. Privilégiant la faïence, il créé des pièces uniques et des série limitées. Il est rejoint en 2007 par Vincent Jousseaume pour la création d’objets utilitaires pour la table.

Semprecosi : pourquoi avoir choisi le domaine de la céramique ?

Baptiste Ymonet : Quand j’étais étudiant à l’école des Beaux arts, j’en avais fait au cours d’un cycle de recherche et j’ai développé des projets céramiques. Notre premier projet ensemble était un objet en silicone, d’édition d’artistes, pour une boutique. Dans cette collaboration qui se passait très bien on a eu envie de continuer ensemble à développer des objets. De mon côté, je continuais à développer mes objets céramiques, ce qui a donné envie à Vincent de s’impliquer. Vincent lui a pensé tout de suite à des directions possibles dans ce travail.

Vincent Jousseaume : J’ai découvert le processus de la céramique par l’intermédiaire de Baptiste. Je suis sensible à cette matière. Il y a tellement de possibilités, tout reste ouvert avec ce type de matériau. Dans mon travail aux Beaux arts, je faisais souvent référence à la table, au repas, c’était aussi une entrée dans ce domaine.

B.Y : La céramique offre de multiples possibilités, même si techniquement c’est très complexe.

Semprecosi : tous vos objets sont blancs ?

V.J : Nous travaillons davantage sur la forme que sur les motifs, l’usage du blanc permet de mettre en valeur ces formes.

Semprecosi : comment organisez vous dans votre travail ?

V.J : L’atelier Polyhedre regroupe deux activités.
L’activité de Baptiste en pièce unique des vases et contenants.

B.Y : C’est une recherche formelle personnelle…d’objets en céramique.

V.J : La deuxième activité c’est Cling.

Semprecosi : que signifie Cling, votre logo ?

V.J : On cherchait un nom une marque pour la vaisselle qui illustre notre façon de travailler et les objets. En reprenant le symbole de la couronne, couramment utilisé sur les céramiques fabriquées par des manufactures royales, et en la brisant en trois et en l’associant au mot Cling, on retrouve l’état d’esprit de l’atelier. La couronne intégrée au logo est brisée. Le bruit Cling représente le son émit quand la vaisselle se brise.
C’est notre marque de vaisselle où l’on travaille en commun. Chacun apporte des idées, rebondie, puis crée des projets. La production se fait à l’atelier du prototype au produit fini. Moules, tirages, cuissons, émaillage !

B.Y : Toutefois nous avons chacun des spécialités au niveau technique.
Il y a des objets qui sont plus techniques comme l’assiette Hermano, la part de créativité est axée sur la forme générale. Il y a un travail de recherche qui se fait sur le plan et sur le moule. Dans nos créations on retrouve aussi des formes plus libres. On se donne des libertés, on ne parle pas technique au début. On rêve d’un objet qu’on essaye de réaliser… De cette manière la réalisation peut se diriger dans quelques choses de très mathématique comme dans l’exemple de l’assiette Hermano ou alors dans un esprit plus libre comme avec la série Chantilly. Le tout est de trouver le processus idéal pour construire l’objet.

V.J : C’est un moment important dans le processus puisque la technique peut entraîner des changements. Le hasard prend toute sa part d’importance. Pour la collection Chantilly, on est très loin de l’assiette Hermano et de sa technicité. Ici c’était beaucoup plus libre, on a pris beaucoup de plaisir avec le plâtre, les instruments de cuisine et bien sûre avec de la terre.

B.Y : Le processus est plus ou moins long selon l’objet. Il y a toujours plusieurs idées d’objets qui sont en cours d’élaboration…

Semprecosi : comment travaillez-vous ? A partir d’un dessin ?

B.Y : Tout peut partir d’un croquis au bord d’une table. Où alors pas de dessin du tout…

V.J : On discute beaucoup ensemble.

B.Y : On s’inspire aussi d’objets du quotidien mais aussi des formes vues dans les brocantes. On fait des liens, on imagine un mélange.

V.J : La discussion amène la création d’une idée. De fil en aiguille, on arrive à vers la forme. J’ai l’impression qu’on passe plus par le vocabulaire que par le dessin dans notre processus de création. Même s’il faut toujours dessiner.

B.Y : Le dialogue et les mots nous permettent de dessiner une idée et de la traduire directement sur la matière.

Semprecosi : quelles sont vos sources d’inspirations ?

V.J : On aime les extrêmes et les opposés. Les formes peuvent varier d’un aspect très minimaliste à un aspect plus baroque. J’aime travailler avec les accidents, les chutes, et les choses évanescentes, qui habituellement ne peuvent être conservé… Toutefois j’essaie d’en conserver la trace, de la cristalliser par des techniques. J’aime l’effet issu d’un matériau qui se désagrège dans un processus. On essaye de capter la transformation du processus.

B.Y : Il y a toujours plusieurs chemins possibles. Il n’y a pas de lignes directrices dans les objets qu’on fabrique. Il peut y avoir une thématique à un moment, mais tout peut se défaire aussi rapidement. Par exemple avec les assiettes Hermano, la ligne est très contemporaine, ce qui ne nous a pas empêché de passer ensuite au Burning buffet. Ainsi on passe dans d’autres types de référents dans un rapport à la tradition manufacturée de céramique en général. L’idée de ce modèle était de travailler l’ajouré l’une des spécialités de Malicorne-sur-Sarthe. L’inspiration nous vient aussi d’objets traditionnels ce qui procure une sensation permanente d’époque, de répertoires de formes empruntés à la vaisselle ou à la mode.

Semprecosi : quel rôle joue le titre de l’objet ? Comment sont-ils conçus ? Quelle place a-t-il?

V.J : On essaye toujours de les travailler.
C’est une vraie difficulté. Il y a souvent une part d’humour dans les objets et dans leur titre comme dans l’exemple Vaseculaire. L’assiette Hermano, que l’on traduit le frère, le titre de l’assiette a donné naissance au projet de l’objet. Le titre existait avant l’objet.

B.Y : Le nom de l’objet finit l’objet. Il fait sens. L’objet et le nom dessinent une identité. Même s’il a déjà une identité formelle. Le titre permet une meilleure compréhension, la Skintasse par exemple invite à voir la forme du crâne. Le jeu de mots questionne sur son sens. C’est un indice, et une affirmation.

Semprecosi : expliquez nous le crâne de la tasse ?

V.J : Pour la Skintasse, on voulait jouer avec les symboliques, mélanger les codes, confronter une figure très présente dans notre culture, le crâne, avec un objet très commun et populaire, une tasse à café. D’où cette pièce curieuse, étrange, la tasse reprend en négatif la silhouette du crâne, qui dessine le contenant et la forme de l’anse, et qui ne se dévoile pas tout de suite à son utilisateur.

V.J : C’est aussi ce qui s’est passé aussi pour Chantilly, ici le titre nous a donné envie de travailler l’effet sur une collection d’objets. Le vocabulaire a toute son importance dans notre démarche commune.

Semprecosi : où se situe la frontière avec la sculpture ?

V.J : Pour l’utilitaire, on n’a pas de limitation dans la forme. La seule contrainte c’est que l’objet soit utilisable. On n’élève pas du tout tous ces éléments au rang de la sculpture, ou de l’oeuvre.
B.Y : Cependant il y a des objets comme l’assiette « Asciette »qui peut être accrochée comme un tableau. De plus c’est un jeu d’assemblages, utilisable évidemment.

Semprecosi : l’humour est-il récurrent dans votre travail ?

B.Y: Oui je pense.

V.J: L’humour est un des éléments de notre vocabulaire. Cet humour se retrouve dans l’objet. On tente de transformer le quotidien à travers les objets utilitaires, pour créer du plaisir.

Semprecosi : l’objet fonctionne en nombre, tout seul ou les deux ?

B.Y: Les deux. J’espère qu’une tasse fonctionne toute seule, tout en s’accordant au reste.

V.J : Les objets de Baptiste fonctionne très bien tout seul ou en série. Ce n’est qu’une modalité de présentation.

Semprecosi : pouvez-vous nous parler de vos bombes ?

B.Y: Je me suis inspiré de gravures du XVII XVIII qui représentaient des bombes utopiques. Ces bombes n’ont pas été dessinées pour avoir un aspect dangereux mais plutôt décoratif, d’ornementation. Je trouvais çà intéressant de travailler une déclinaison esthétique d’ornementation. Le but étant de trouver un vocabulaire appliqué à la sphère qui rappelle ici le boulet de canon. Tout en fonctionnant sur l’idée d’analogie de la céramique. Ce jeu d’analogie se retrouve dans le nom des objets. Il y a toujours une ouverture avec un bouchon, qui laisse la personne mettre des choses dedans. Je me pose souvent la question : « Que peut-on y mettre ? ». L’idée s’est de développer des variations formelles sur cette idée. Les déclinaisons, amènent à ce que l’on pourrait qualifier de boîtes bonbonnières. Les codes utilisés dans les pointes puisent leurs inspirations dans la mode. Ce sont des formes très stylisées. Par exemple avec la Comtesse on fait référence à la céramique anglaise. C’est un jeu de couleurs et de formes. Pour Pustula j’ai mis au hasard les éléments ressemblant aux boutons d’acnés. Les variations sont d’organiques, proches des bactéries, des microbes.

Rédactrice :  Cloé DESMONS
Photographe : Emilie GUHUR